Народные художественные промыслы восходят к древности, к домашним промыслам и деревенскому ремеслу. Позже образовались работающие на рынок кустарные промыслы, а также частные мастерские, вовлечённые в систему капиталистического рынка и нередко не выдерживавшие конкуренции фабричных товаров. В конце XIX - начале XX вв. во многих странах началось возрождение народных художественных промыслов, в том числе и в России. В нашей стране существует специальная государственная программа по поддержке и возрождению исконно русских народных промыслов, в их числе: Хохлома, Гжель, Жостовские подносы, Береста, шкатулки Федоскино, Самовары, Балалайки, Городецкой росписи.
Но, прежде всего стоит узнать откуда на Руси появились эти, по праву, произведения искусства, пройдя через века и массу трудностей, передаваясь из поколения в поколения, от мастера к мастеру, от отца сыну, народные промыслы дошли и до наших времен!
На реке Узоле, в древних заволжских лесах раскинулись старинные русские деревни - Новопокровское, Хрящи, Кулигино, Сёмино. Отсюда и ведет свою историю известный во всем мире хохломской промысел. В этих деревнях и поныне живут мастера-художники, которые расписывают деревянную посуду, продолжая традиции отцов, дедов и прадедов.
Однако установить время появления хохломской росписи исследователям пока не удалось. Ведь деревянную посуду и другую утварь долго не хранили. От частого применения она изнашивалась, приходила в негодность. Её выбрасывали или сжигали, заменяя новой. До нас дошли изделия хохломских мастеров в основном лишь XIX века. Но различные документальные сведения указывают на то, что промысел зародился в более раннее время, возможно в XVII веке.
Характерная для хохломы оригинальная техника, где роспись киноварью и черной краской исполнялась по золотому фону, находит аналогии в древнерусском искусстве.
В документах есть упоминание о том, что в конце XVI и начале XVII века в Троице-Сергиевой лавре при торжественном приеме гостей им подносили деревянные ковши, украшенные золотом и киноварью, а также кубки.
В начале XVII века к Троице-Сергиевой лавре были приписаны заволжские земли, среди которых находилась и Хохлома. Крестьяне не только видели эту золоченную посуду, но и могли знать способ её окраски. Но у хохломских мастеров был свой способ “золочения”. Посуду натирали оловянным порошком, покрывали олифой и нагревали в резные позолоченные печи. Олифа от высокой температуры желтела, а олово, просвечивающее сквозь неё, становилось золотом.
Один из лучших мастеров хохломской росписи так говорил об этом промысле: (Самый характер росписи, подражающий золотой и серебряной посуде был подсказан декоративным искусством Древней Руси... Хохлома, вероятно, была лишь поздним отражением этого большого искусства...)
В XIX веке промысел настолько разросся, что поставлял свой товар в большом количестве не только на внутренний рынок, но и за границу в страны Средней Азии и Западной Европы. Изготовлением посуды и других предметов быта занималось сразу несколько деревень Семеновского и Балакнинского уездов Нижегородской губернии, Макарьинского и Варнавинского - Костромской. Среди них было что-то типа разделения труда. В одной деревне обрабатывалось дерево, в другой - наносился рисунок.
Самые ранние произведения хохломы в собрании Русского музея относятся ко второй половине XIX века. Они насчитывают около 170 разнообразных по назначению предметов быта. Посуда представлена мисками и чашками любых размеров: от маленьких, похожих на десертные розетки, до огромных 70-80 сантиметров в диаметре; различными поставцами и бочатами солонками и множеством ложек.
Дешевую обиходную посуду можно было отличить по простым узорам, нанесённым специальными штампиками из фетровой ткани или гриба-дождевика. Это спирали, ромбики, мелкие розетки и листики.
Более дорогие вещи расписывали кистью от руки, создавая различные композиции травного орнамента, где ритмично сочетаются слегка изгибающиеся тоненькие красненькие и черные веточки с пышными перистыми листьями-травинками.
Иногда красно-черная пушистая травка дополняла основной орнаментальный мотив вьющегося крупного стебля, каждый завиток которого заканчивался красной ягодкой.
В 1960-е годы стали выполнять многопредметные наборы и сервизы.
Современная хохлома по праву получила широкое признание не только в нашей стране, но и далеко за её пределами. Украшенные яркой росписью столовые наборы, чашки, ложки, мебель экспонируется на многих крупнейших международных выставках. И всегда это неповторимое жизнерадостное искусство находит любовь и понимание людей всех национальностей.
Есть в Подмосковье деревня Жостово, жители которой уже более полутора веков владеют мастерством украшения всего одной вещи - подноса. Под кистью народных живописцев этот предмет обрёл качества художественного произведения. Собранные в букеты или вольно раскинувшиеся на блестящем черном фоне садовые и полевые цветы украшают поднос и несут людям чувство радости души, поэзию вечного цветения природы. Ведь вряд ли найдется человек, не любящий природу, равнодушный к цветам, их красоте, аромату, заключенной в них великой силе жизни. Эта тема близка каждому, поэтому так много почитателей жостовского таланта не только в нашей стране, но и за рубежом.
А когда-то, в начале XIX века, открывая в Жостове первую мастерскую по производству изделий из папье-маше, купец Филипп Никитьевич Вишняков и не подозревал, что основал новый промысел, которому суждено будет со временем войти в число уникальных очагов русской народной культуры. Здесь сложилось самобытное искусство декоративной живописи, вобравшей в себя традиции народных росписей на бытовых предметах и станкового живописного натюрморта, по-своему понятого и переработанного народными мастерами. Первые подносы изготовлялись из папье-маше, как и выпускающиеся вместе с ними коробочки, табакерки, марочницы и шкатулки. Поначалу и украшавшая их живопись была одинаковой - пейзажи, писанные с гравюр и картин, летние и зимние тройки коней, чаепития за столом. Помещённые на черном фоне в центре поля хорошо читались силуэтами фигур, локальными цветовыми пятнами.
В 1830-е годы подносы в Жостове стали делать из металла. На мысль о замене папье-маше на более прочный материал жостовцев навели подносы Нижнего Тагила, знаменитого ещё в XVIII веке центра их производства. В XIX веке в Тагиле делали подносы, украшенные растительным орнаментом, характерным для предметов уральской народной расписной утвари.
Другим известным центром производства подносов стал Петербург. Здесь были в моде подносы фигурных форм, сложного рисунка, изображавшей цветы, фрукты, птиц среди различных раковин и прихотливых завитков.
Жостовские мастера учли опыт живописцев Нижнего Тагила и Петербурга, но не просто использовали понравившиеся стили и приёмы, а создали на их основе свой собственный неповторимый стиль и характер украшения подносов. Он сложился в 1870 - 1880-е годы.
В это время увеличился спрос на подносы в городах. В трактирах, в питейных заведениях и гостиницах подносы использовались по прямому их назначению, и как украшение интерьера. Подносное производство в Жостове постепенно отделилось от лаковой миниатюры на папье-маше. Возникло немало мастерских, производивших подносы на продажу в Москве, в Петербурге и других местностях. С тех пор и поныне Жостово и окрестные деревни являются своего рода заповедниками этого уникального искусства.
Коллекция жостовских подносов в Русском Музее невелика. Но в ней есть первоклассные произведения, исполненные в разные периоды жизни промысла и наглядно отражающие особенности и уровень искусства своего времени.
К числу самых известных произведений принадлежит овальный поднос, украшенный живописью по перламутру.
Почти на каждом старинном подносе стоит клеймо мастерской, в которой он был выполнен. Из этого клейма можно узнать имя хозяина мастерской, а по ней определить время создания подноса.
На удалении 50-60 километров к северо-востоку от Москвы, в Раменском районе, вдоль Егорьевского шоссе расположены два десятка слившихся между собой красивых сёл и деревень.
Гжель - название одного из сёл - бывшего волостного центра, ставшего собирательным для всей округи, символом неповторимого искусства и народного мастерства.
Гжелью называют выпускаемые в этих местах высокохудожественные фарфоровые изделия, расписанные кобальтом по белому фону.
Гжель впервые упоминается в письменных источниках в 1339 году в духовной грамоте Ивана Даниловича Калиты. С тех пор на протяжении столетий, как одна из наиболее прибыльных волостей, переходила Гжель по наследству в роду великих московских князей и царей, принося им немалый доход.
Ещё в XVI веке гжельцы возили в Москву излишки бытовой посуды, а также в Яузскую слободу московским гончарам свою глину, некоторые оставались там и работать. Выезжали они и на московские ярмарки и торги. Знакомились на торгах с привозными изделиями мастеров из других мест России, из других стран.
На базе крестьянских промыслов и торговли постепенно складывался новый тип крестьянского населения Гжели.
К 70 - 80 годам XVIII века Гжель становится центром производства в России художественной майолики. Дело в том, что со времени открытия мануфактуры Афанасия Гребенщикова в 1724 году многие гжельцы работали там гончарами. Смекалистые и расторопные, они быстро схватывали секреты нового производства майоликовых изделий, а возвращаясь на родину, заводили свои примитивные, но многочисленные новые горны, создавали свои изделия не только из обычных красных глин, как раньше, а использовали по новой технологии белые массы с примесями других сортов глин и минеральных добавок.
Самобытные гжельские изделия пользовались неизменным спросом. Крестьяне-кустари трудились от зари до зари, имея дело с глиной и творя из неё необходимые в быту вещи. Каждый из них имел свою манеру, и создавая изделия, вносил собственное видение окружающего мира. Достоинство посуды, игрушек определялось вкусами покупателей и управлялось их спросом. Популярность гжельских изделий означала соответствие их требованиям, отвечающим утилитарным целям и художественным вкусам людей того времени. В середине XVIII века в России довольно быстро начали развиваться гончарные производства, однако гжельские изделия пользовались неизменным спросом. Отсюда производство керамики распространяется в Коломенской, Серпуховской и другие уезды Московской губернии.
Конец XVIII века явился временем расцвета гжельской майолики; особенно большого искусства местные мастера достигли при изготовлении кувшинов, кумганов, квасников. Работа требовала большого терпения и искусства. Роспись не допускала поправок и переделок, так как велась по мягкому, не обожжённому черепку, покрытому белой эмалью. Гжельцы выпускали отдельно и мелкую майоликовую пластику, которая часто отражала типичные сценки их жизни, наполненные юмором композиции, солдат, крестьянок, модниц и франтов, занятых теми или иными делами. Сюжеты были выразительны и доходчивы, покоряли ясностью замыслов, наивностью их создателей - простых народных умельцев.
В течение многих десятилетий гжельцы создавали изумительные по красоте и разнообразию росписи изразцы для оформления печей и каминов. Свыше 500 их образцов хранит теперь в своей коллекции Эрмитаж.
Многие гжельские мастера участвовали создании гончарного промысла и в других местах России.
Полуфаянс Гжели пытались делать ещё в последние годы XVIII века. Завозимые из-за границы предметы из этого материала были настолько дороги, что их могли купить только немногие, но они же невольно толкали гжельцев овладеть технологией их производства.
Полуфаянс уже имел белый, хотя и толстый черепок, и роспись велась не по сырой эмали, как на майоликовых изделиях, а после обжига, по твердому черепку, что значительно облегчало, ускоряло работу и ускоряло брак.
Полуфаянс стал таким же замечательным художественным явлением, как и майолика. Гжельцам удалось получить белую посуду белую, наподобие фаянса в начале XIX века. Добавив в свои глины известь, гжельцы получили материал, названный простым фаянсом или полуфаянсом, и в течение XIX века создавали из него десятки тысяч необходимых предметов быта.
Не сразу гжельцы выработали свой самобытный стиль росписи кобальтом, но постепенно он достиг совершенства именно в полуфаянсе. Синий цвет становится классическим, неотделимым от гжельского полуфаянса. Это был новый изобразительный живописный язык, пришедший на смену контурному рисунку с полихромной раскраской, какая ранее использовалась в майолике. Синяя краска лучше всего соединяется с глазурью, при обжиге даёт меньше брака, излучает сияние, не подвластное времени. В росписи присутствуют и элементы очеловечения, одухотворения вещей.
К середине XIX века Гжель являлась самым крупным поставщиком керамических изделий страны.
Во второй половине XIX века в русском керамическом производстве происходят значительные сдвиги. Лидируют теперь крупные механизированные заводы. Экономичность производства, добротность изделий и умеренность цен давали возможность выиграть борьбу на рынках сбыта.
В 1926 году число работающих в фарфорово-фаянсовой промышленности по Гжельской области составляло 506 человек.
Товарищество Гжель создано в результате объединения шести мелких цехов разных деревень в 1972 году.
В деревне Жирово выпускают керамические камины, В деревнях Трошково и Фенино - гончарную и майоликовую посуду. В деревне Фенино совместно с итальянской фирмой создаётся производство по выпуску изразцов и плитки. В деревне Коломино - Фрязино делают фарфоровые игрушки, а современные производства в д. Турыгино и Бахтеево - главные центры производства художественного фарфора.
Гжельские мастера глубоко и свято хранят традиции своих предков, творчески их развивают и приумножают. В полусказочном мире, создаваемом мастерами - керамистами нынешней Гжели, трудно провести четкую границу между искусством прошлого и настоящего. Не иссякает родник, возникший столетия назад в душе русского народа; пройдя через толщу веков, он по- прежнему остаётся могучей эстетической силой и не теряет своей чистоты. В преемственности традиций народных мастеров, верности им и находится зерно успеха и популярности гжельской керамики в наше время.
История Гжели уходит вглубь веков, и её народному искусству суждена долгая жизнь, сегодня знаменитый народный промысел набирает новые силы. В разные концы планеты улетают синие птицы Гжели, чтобы украшать быт людей, воспитывать чувство прекрасного.
Береста
БерестаИздавна на Руси из бересты делали нужные для хозяйства и удобные вещи – плели корзины и короба. А в берестяных туесах хранили мёд и ягоды, сметану и масло… В такой «упаковке» всё долго оставалось свежим.
А ещё из бересты делали шкатулки и ларцы, всевозможные коробочки, посуду и даже лапти. Яркими, весёлыми красками их расписывали: рисовали цветы и ягоды, зелёные веточки и сказочных птиц, зверей невиданных или хорошо знакомых. Иногда под кистью мастера рождалась настоящая картина: шутники-скоморохи играли на балалайках, плясали медведи… Глаз не оторвать и от красивого узора, красочного орнамента…
Береста – прекрасный материал для вырезания острым ножом тонких кружевных узоров. Кажется, что эта красота сплетена умелой кружевницей. Такими ажурными берестяными «кружевами» украшали шкатулки, ларцы, пудреницы и коробочки, вазы и стаканчики. А чтобы подчеркнуть прихотливый узор и рисунок, мастера иногда подкладывали под берестяное «кружево» цветную фольгу или кусочки слюды.
А ещё узоры на бересте выдавливали специальными штампиками. Это называется тиснением. Такой способ делал изделия из неё особенно нарядными.
Береста издавна использовалась для изготовления различных бытовых и художественных изделий. До наших дней дошли берестяные грамоты, найденные при раскопках в Великом Новгороде и других городах России. Берестяные изделия украшались росписью, резьбой, тиснением.
Берестяные промыслы были широко распространены на всей территории нашей страны. Традиции изготовления художественных изделий из бересты сохранились в северных, северо-восточных областях европейской части России, в Поволжье, Сибири, Якутии.
И сегодня, в XXI веке, интерес к древнему народному промыслу, к искусству наших предков не угас. Мы восхищаемся талантом мастеров, подаривших нам красоту. И совсем не важно, что сделано это не из злата-серебра, а из обычной, скромной, но и волшебной бересты.
Происхождение мезенской росписи до сих пор остается загадкой. Одни исследователи сравнивают ее с росписью Коми Республики, другие считают, что она взяла начало от древнегреческих изображений. Исследователь росписи В.С. Воронов, например, сказал о ней: «Это орнамент, сохранивший в своих элементах глубочайшие пережитки архаики древнегреческих стилей, густым кружевом покрывает поверхности деревянных предметов». Очень проблематично установить это в наше время, ведь с тех пор, как Мезенская роспись появилась, минула, возможно, не одна сотня лет. Известно о ней стало с 1904 года, но, разумеется, зародилась роспись намного раньше. Необычность росписи, графичность, примитивно-условная трактовка образов коней и птиц побуждают исследователей искать истоки мезенской росписи в искусстве соседних северных народов и в наскальных рисунках. В.С. Воронов, изучая стили народных росписей по дереву в разных областях России, выделил мезенскую как «таинственную и любопытную», указав на ее связи с древними греческими стилями.
Истоки зарождения данного вида росписи ведут к низовьям реки Мезень Архангельской области. Ею расписывали различную домашнюю утварь - прялки, ковши, короба, сундуки, шкатулки. С конца XIX века центром мезенской росписи становится деревня Палащелье, поэтому мезенская роспись по дереву известна также как «палащельская роспись».
Ареал мезенской росписи весьма обширен. Кроме бассейна Мезени с Вашкой, он включает на западе районы Пинеги и нижнего течения Северной Двины до Онежского полуострова, а на востоке - бассейны Ижмы и Печоры. Здесь можно найти прялки с мезенской росписью не только из Палащелья, но и из других деревень.
Чаще всего в мезенской росписи изображали фигурки оленей, лошадей, реже людей, но рисовали лишь силуэт человека. Несмотря на то, что в этой росписи все просто и лаконично, рисунками можно написать целое сочинение, передать знаками какое-то послание. Ведь существует множество знаков стихий, светил, земли, а также охранения и пополнения семьи. Зная их расшифровку, можно прочитать каждую работу.
В основном в прежние времена расписывали прялки. Мезенские прялки были поистине уникальны. Во-первых, если обычные прялки состояли из трех частей: днища, стояка и лопасти, то в Мезени прялки изготавливали цельные, для чего выбирали такие деревья, корень которых мог стать днищем.
А во-вторых, уникальны были и сами рисунки. Ученые считают, что лицевая часть прялки, изображаемая очень строго, делится с помощью геометрических узоров на три части: небо, землю и подземное царство. На небе изображались птицы и так называемое «окно», с помощью которого можно было общаться с Богом. Дальше ряд за рядом изображали лошадей и оленей или дерево, часто с сидящей на макушке птицей. В подземном царстве также рисовали оленей и лошадей, но заштрихованными черной краской. А на изнаночной стороне художник, строго сохраняя уровни, мог сделать надписи, например: «Кого люблю - тому дарю». Прялки с подобными посланиями дарил муж жене на свадьбу или к рождению ребенка. Кстати, росписью занимались только мужчины, передавая это искусство по наследству из поколения в поколение.
Традиционно предметы, расписанные мезенской росписью, имеют только два цвета - красный и чёрный (сажа и охра, позднее сурик). Роспись наносилась на негрунтованное дерево специальной деревянной палочкой (тиской), пером глухаря или тетерева, кисточкой из человеческого волоса. Затем изделие олифилось, что придавало ему золотистый цвет. В настоящее время в целом технология и техника мезенской росписи сохранились, за исключением разве что того, что чаще стали применяться кисти. Некоторое внутреннее различие современной мезенской росписи от старой ощущается и потому, что изначально роспись производилась только мужчинами, тогда как в наше время ею больше занимаются женщины.
Сейчас мезенской росписью занимаются практически во всей России, а в некоторых школах она включена в программу изобразительного искусства.
Городецкая роспись по дереву, традиционный художественный промысел, получивший развитие в середине 19 века в деревнях по реке Узоле в окрестностях Городца Нижегородской области.null
Возникновение росписи берет начало в производстве Городецких прялочных донец, инкрустированных мореным дубом и украшенных контурной резьбой. В отличие от широко распространенных прялок, вытесанных из единого деревянного монолита, Городецкие прялки состояли из двух частей: донца и гребня. Донце представляло собой широкую доску, суживающуюся к головке с «копылком» пирамидальной формы, в отверстие которого вставлялась ножка гребня. Когда на прялке не работали, гребень вынимался из копылка, и донце вешалось на стену, становясь своеобразным декоративным панно.
В середине прошлого века мастера стали оживлять инкрустированные донца сначала только подкраской фона, затем резьбы, а впоследствии и введением красочных сюжетных рисунков. Самое раннее подобное донце, сохранившееся до наших дней, было изготовлено мастером Лазарем Мельниковым в 1859 году. Постепенно роспись, технологически более простая, окончательно вытеснила трудоемкую инкрустацию. В роспись Городецкие мастера перенесли не только сюжеты, ранее используемые в инкрустации, но и обобщенную трактовку образов, подсказанную приемами резьбы. В росписи использовались яркие сочные краски красного, желтого, зеленого, черного цветов, замешанные на жидком столярном клее. Со временем ассортимент расширился; помимо традиционных прялочных донец стали изготовлять и расписывать короба-мочесники, деревянные игрушки, мебель, даже части дома ставни, двери, ворота. В 1880 году в промысле было задействовано около 70 человек из семи соседних деревень. В числе старейших мастеров, ставших зачинателями Городецкой росписи, сохранились имена братьев Мельниковых и Г. Полякова, позже к ним присоеnullдинились живописцы, сохранившие секреты промысла в начале 20 века И. А. Мазин, Ф. С. Краснояров, Т. Беляев, И. А. Сундуков.
Постепенно выработались самобытные приемы Городецкой росписи, по своей многоэтапности близкие к профессиональной живописи. Первоначально производится окраска фона, которая является и грунтовкой. По цветному фону мастер делает «подмалевок», нанося крупной кистью основные цветовые пятна, после чего более тонкими кистями моделирует штрихами форму. Заканчивает роспись «разживка» белилами и черным цветом, объединяющая рисунок в одно целое. Готовый сюжет обычно заключают в графическую рамочку или обводку. В Городецкой росписи существует много простейших орнаментальных мотивов розы-купавки, бутоны, травки.
С развитием промысла значительно обогатились и сюжеты росписи, заимствованные, видимо, из лубочных картинок. Помимо традиционных коней появились чаепития, гулянья, сценки из городской жизни, персонажи народных сказок, батальные сцены, навеянные Русско-турецкой войной.
Городецкий промысел просуществовал около пятидесяти лет. Его расцвет приходится на 1890-е годы, когда выработка донец доходила до 4 тысяч в год, но уже к началу 20 века промысел пришел в упадок. После I мировой войны расписное производство полностью прекратилось, и даже самые знаменитые живописцы были вынуждены искать иной заработок.
Возрождение Городецкой росписи связано с именем художника И. И. Овешкова, приехавшего в Горьковскую область в 1935 году из Загорска. Его стараниями в деревне Косково была открыта общественная мастерская, объединившая старых живописцев. Овешков принял на себя не только руководство работой мастерской, но и организовал профессиональное обучение художников. При его непосредственном участии началось расширение ассортимента расписных изделий шкатулки, настенные шкафчики для посуды, детские стульчики, складные ширмы. В 1937 году Городецкие мастера участвовали в выставке «Народное творчество», проходившей в Третьяковской галерее в Москве, где рядом с донцами 19 века демонстрировались современные изделия
В 1951 году в селе Курцево была открыта столярно-мебельная артель «Стахановец», которую возглавил потомственный Городецкий живописец А. Е. Коновалов. Артель занялась изготовлением мебели с мотивами традиционной росписи шкафов, тумбочек, табуретов, столиков; ассортимент постоянно расширялся. В 1960 году артель преобразовалась в фабрику «Городецкая роспись».
В настоящее время фабрика выпускает расписные игрушки-качалки, детскую мебель, декоративные панно, блюда, токарную посуду. Хотя изменилось функциональное назначение Городецких изделий, в их росписи сохранились традиционные мотивы и образы, длинноногие кони, всадники, волшебные птицы, цветы-купавки.
История балалайки
Балалайка - русский народный трёхструнный щипковый музыкальный инструмент, с треугольными формами деревянного корпуса. Балалайка стала неотъемлемым музыкальным символом России. История происхождения балалайки уходит своими корнями в глубину веков и не имеет однозначности. Одни считают, что этот инструмент был придуман на Руси, а другие историки утверждают, что история балалайки ведёт своё начало от народного инструмента киргиз–кайсаков – домбры. Так же само слово «балалайка» вызывает множество догадок и споров. Самой основной гипотезой является то, что слово «балалайка» имеет один корень с такими словами, как балакать, балабонить, балаболить, балагурить, что значит болтать, пустозвонить. Все эти слова передают уникальность этого народного инструмента лёгкого, забавного, «бренчливого», не очень серьёзного.
Большинство историков придерживаются, что балалайка была придумана около 1715 года, но существуют множество исторических документов говорящих о более ранней истории создания балалайки. Первое письменное упоминание о балалайке содержится в документе от 13 июня 1688 года - «Память из Стрелецкого приказа в Малороссийский приказ», где упоминается крестьянин Ивашко Дмитриев, играющий на балалайке. Следующий документ прослеживающий историю балалайки, как раз и относится к 1715 году. Это подписанный Петром I «Реестр», относящийся к 1715 году: в Санкт-Петербурге, во время празднования шутовской свадьбы «князя-папы» Н.М Золотова кроме прочих инструментов, которые несли ряженые, были названы четыре балалайки.
До сих пор балалайка испытывала разные периоды своей истории. То этот народный инструмент забывался, то с новой силой становился популярным во всех деревнях и сёлах. Чем же так притягивают русского человека звуки этого инструмента? Возможно эти весёлые бренчливые, лёгкие и забавные звуки помогали забыть нашим предкам о всей тяжести крестьянской жизни, а может быть эти звуки и передавали всю суть жизни на Руси и теперь, услышав звук балалайки, мы с лёгкостью можем посмотреть на историю глазами наших предков. Кто знает, какие взлёты и падения ждёт этот уникальный русский народный инструмент, но сейчас с уверенностью можно сказать, что балалайка - это самый узнаваемый во всём мире русский народный инструмент.
Русского народного творчества пост16 самых красивых видов народного искусства России
Народные промыслы — это именно то, что делает нашу культуру богатой и неповторимой. Расписные предметы, игрушки и изделия из ткани увозят с собой иностранные туристы в память о нашей стране.
Почти каждый уголок России имеет собственный вид рукоделия, и в этом материале мы собрали самые яркие и известные из них.
~~~~~~~~~~~
Дымковская игрушка — символ Кировской области, подчеркивающий ее насыщенную и древнюю историю. Она лепится из глины, затем обсыхает и обжигается в печи. После этого ее расписывают вручную, каждый раз создавая уникальный экземпляр. Двух одинаковых игрушек быть не может.
В начале 19 века в одной из подмосковных деревень бывшей Троицкой волости (сейчас — Мытищинский район) жили братья Вишняковы, и занимались они росписью лакированных металлических подносов, сахарниц, поддонов, шкатулок из папье-маше, портсигаров, чайниц, альбомов и прочего. С тех пор художественная роспись в жостовском стиле стала набирать популярноть и привлекать внимание на многочисленных выставках в нашей стране и за рубежом.
Хохлома — один из самых красивых русских промыслов, зародившийся еще в 17 веке близ Нижнего Новгорода. Это декоративная роспись мебели и деревянной посуды, которую любят не только ценители русской старины, но и жители зарубежных стран.
Причудливо переплетенными травными узорами из ярко-алых ягод и золотых листьев на черном фоне можно любоваться бесконечно. Поэтому даже традиционные деревянные ложки, презентованные по самому незначительному случаю, оставляют у получившего их самую добрую и долгую память о дарителе.
Городецкая роспись существует с середины 19 века. Яркие, лаконичные узоры отражают жанровые сцены, фигурки коней, петухов, цветочны и орнаменты. Роспись выполняется свободным мазком с белой и черной графической обводкой, украшает прялки, мебель, ставни, двери.
Известные месторождения малахита — на Урале, в Африке, Южной Австралии и США, однако по цвету и красоте узоров малахит зарубежных стран не может сравниться с уральским. Поэтому малахит с Урала считается самым ценным на мировом рынке.
Изделия, изготовленные на хрустальном заводе города Гусь-Хрустальный можно встретить в музеях всего мира. Традиционные русские сувениры, предметы быта, сервизы для праздничного стола, изящные украшения, шкатулки, статуэтки ручной работы отражают красоту родной природы, ее обычаи и исконно русские ценности. Особой популярностью пользуются изделия из цветного хрусталя.
Матрешка
Крулолицая и полненькая веселая девушка в косынке и русском народном платье покорила сердца любителей народной игрушки и красивых сувениров по всему миру.
Сейчас матрешка — не просто народная игрушка, хранительница русской культуры: это памятный сувенир для туристов, на фартучке которой тонко прорисованы игровые сценки, сюжеты сказок и пейзажи с достопримечательностями. Матрешка стала драгоценным объектом коллекционирования, который может стоит не одну сотню долларов.
Винтажные брошки, браслеты, кулоны, стремительно «вошедшие» в современную моду — не что иное, как украшения, изготовленные по технике финифть. Этот вид прикладного искусства возник в 17 веке в Вологодской области.
Мастера изображали на белой эмали цветочные орнаменты, птиц, зверей с помощью множества красок. Затем искусство многокрасочной эмали стало утрачиваться, его стала вытеснять однотонная финифть: белая, синяя и зеленая. Сейчас успешно совмещаются оба стиля.
В свободное время работник Тульского оружейного завода Федор Лисицын любил мастерить что-нибудь из меди, и однажды сделал самовар. Затем его сыновья открыли самоварное заведение, где продавали медные изделия, пользовавшиеся бешеным успехом.
Самовары Лисицыных славились разнообразием форм и отделок: бочонки, вазы с чеканкой и гравировкой, самовары яйцевидной формы, с кранами в виде дельфина, с петлеобразными ручками, расписные.
Палехская миниатюра — это особое, тонкое, поэтичное видение мира, которое свойственно русским народным поверьям и песням. В росписи используются коричнево-оранжевые и синевато-зеленые тона.
Палехская роспись не имеет аналогов во всем мире. Она выполняется на папье-маше и только потом переносится на поверхность шкатулок всевозможных форм и размеров.
Гжельский куст, район из 27 деревень, расположенный под Москвой, славится своими глинами, добыча которых ведется здесь с середины 17 века. В 19 веке гжельские мастера стали выпускали полуфаянс, фаянс и фарфор. Особый интерес до сих пор представляют изделия, расписанные в один цвет — синей надглазурной краской, наносимой кистью, с графической прорисовкой деталей.
Яркие и легкие, женственные павлопосадские платки всегда модны и актуальны. Этот народный промысел появился в конце 18 века на крестьянском предприятии села Павлово, из которого впоследствии развилась платочная мануфактура. На ней производились шерстяные шали с набивным рисунком, очень популярным в то время.
Сейчас оргинальные рисунки дополняются различными элементами вроде бахромы, создаются в разных цветовых гаммах и остаются прекрасным аксессуаром практически к любому образу.
Вологодское кружево плетется на деревянных палочках, коклюшках. Все изображения выполняются плотной, непрерывной, одинаковой по ширине, плавно извивающейся полотняной тесьмой. Они чётко вырисовываются на фоне узорных решёток, украшенных элементами в виде звёздочек и розеток.
Шемогодская резьба — традиционный русский народный художественный промысел резьбы по бересте. Орнаменты шемогодских резчиков называются «берестяным кружевом» и используются при изготовлении шкатулок, коробочек, чайниц, пеналов, туесов, блюд, тарелок, портсигаров.
Симметричный узор шемогодской резьбы состоит из растительных орнаментов, кругов, ромбов, овалов. В рисунок могут быть вписаны изображения птиц или зверей, архитектурные мотивы, а иногда — даже сцены гуляния в саду и чаепития.
Тульский пряник — русский деликатес. Без этих сладких и душистых изделий не проходило на Руси ни одно событие — ни веселое, ни грустное. Пряники подавали как к царскому столу, так и к крестьянскому. Традиционная форма придается прянику с помощью доски с вырезанным орнаментом.
Платки вяжутся из натурального козьего пуха и получаются изумительно нежными, красивыми, теплыми и практичными. Ажурные платки-паутинки настолько тонкие и изящные, что их можно продеть через обручальное кольцо. Они ценятся женщинами всего мира и считаются прекрасным подарком.
Отправить свою хорошую работу в базу знаний просто. Используйте форму, расположенную ниже
Студенты, аспиранты, молодые ученые, использующие базу знаний в своей учебе и работе, будут вам очень благодарны.
Размещено на http :// www . allbest . ru /
Министерство культуры Волгоградской области
Государственное образовательное бюджетное учреждение культуры высшего профессионального образования
«Волгоградский государственный институт искусств и культуры»
(ГОБУК ВПО ВГИИК)
I ступень
Факультет заочного обучения
Кафедра декоративно-прикладного искусства
Реферат по дисциплине:
Организация и руководство НХП
на тему: « Народные промыслы и ремёсла России »
Выполнил:
Попова Е.И.
(гр. 5РСДПТ ФЗО)
Проверил:
Профессор
Таранов Н.Н.
Волгоград 2017
- Введение
- 1. Народные ремесла и промыслы
- 2. Виды ремёсел
- 2.1 Художественная обработка металла
- 2.2 Изделия из дерева
- 2.3 Ткачество
- 2.4 Вышивка
- 2.5 Художественная керамика
- 2.6 Валяльный промысел
- 2.7 Художественная роспись
- 2.8 Промыслы по изготовлению игрушек
- 2.9 Художественная обработка кости
- 2.10 Кружевоплетение и пуховязание
- Заключение
- Список литературы
Введение
Народные промыслы одна из форм народного художественного творчества (в частности, изготовление изделий декоративно-прикладного искусства). Традиции народного искусства уходят корнями в глубокую древность, отражая особенности трудового и бытового уклада, эстетические идеалы и верования определённого народа. Мотивы и образы народного искусства веками сохраняются почти неизменными, передаваясь из поколения в поколение. Изделия народных мастеров (керамика, ткани и ковры, изделия из дерева, камня, металла, кости, кожи и т. д.) призваны прежде всего внести красоту и радость в обыденную жизнь человека. В России наиболее популярны были гжельская керамика, расписанная синими красками по белому; дымковская глиняная игрушка; вологодские кружева, городецкие росписи по дереву, лаковые миниатюры Палеха, Холуя, Мстёры, Хохломы, великоустюжское чернение по серебру и др.
С развитием массового промышленного производства многие древние ремёсла и промыслы пришли в упадок. В кон. 19 - нач. 20 в. на волне интереса к национальному прошлому во многих странах началось возрождение народных художественных промыслов. В России традиционные ремёсла целенаправленно культивировались в мастерских Абрамцева и Талашкино. Ныне мастера, работающие в традициях народных промыслов, создают как уникальные художественные произведения, так и эскизы для производства массовых промышленных изделий.
1. Народные ремесла и промыслы
Что роднит и объединяет ремесла и промыслы?
Слово «ремесло» произошло от латинского «ремес» (плотник) и обозначало разные виды ручных работ. Промыслы - от «промыслить», т. е. подумать. В толковом словаре Даля «ремесло» объяснялось, как «умение, коим добывают хлеб, промысел, требующий по большей части телесного, чем умственного труда».
Если оставить в стороне спорное утверждение о соотношении физического и умственного труда, то увидим, главное - это труд, приносящий доход. Ремесло превращалось в промысел, когда мастера начинали создавать предметы по заказу и на продажу.
Когда определенные навыки и средства выражения становятся привычными - возникает традиция. И случается это, благодаря совместным стараниям разных людей, поэтому природа народного искусства - коллективная, но это не умаляет значения творчества наиболее талантливых и ищущих мастеров.
Становясь массовым, промысел воспроизводил однотипные предметы, но при этом не терял уже найденные образцы. Промысел погибал, если не приносил дохода, как это и случилось с внедрением фабричного производства.
В наши дни народное искусство не исчезло, оно во многом перешло в другую сферу, появилось и определение: декоративно-прикладное искусство. Слово «декор» означает «украшаю». Основа декора - узор, орнамент. Прикладное - предмет должен иметь свое назначение. И, возможно, некоторые предметы теряют уже свою утилитарность, но при этом приобретают новое звучание - украшают быт, и это также важно в современном мире.
В народном искусстве преемственны, прежде всего, технологические приемы ручного труда, передающиеся от поколения к поколению. Произведения традиционного ручного труда доносят до нас многие художественные образы, связывающие наше время с культурой древности. Ручной характер труда дает возможность мастеру импровизировать, вносить в традиционные формы свои творческие варианты, иметь «свой почерк», отличный от «почерка» других мастеров.
Если в промышленности художник создает образец, который потом машина может воспроизвести в огромном количестве одинаковых экземпляров, то в художественных промыслах мастер, используя традиционную форму предмета и традиционные формы декора, работая вручную, каждый раз вносит в изделие в большей или меньшей степени изменения, делающие его похожим и в то же время не похожим на аналогичные предметы. Изделия народного искусства, которые выполняются всегда вручную, ценятся именно потому, что они сохраняют творческий характер труда народного мастера, являются обязательным условием того, что каждое изделие - неповторимое произведение искусства. Поэтому ручной труд в народном искусстве не может и не должен вытесняться машинным. Здесь речь, разумеется, идет только о творческом ручном труде, позволяющем мастеру-исполнителю варьировать свои изделия. Если же он должен только копировать заданный ему образец, то его труд никакой эстетической ценности не представляет. Технические усовершенствования, которые не исключают творчества исполнителя, не мешают проявлению виртуозности мастера, могут и должны широко при-; меняться в народном искусстве. Так, издавна в керамике используется гончарный круг, в художественной обработке дерева - токарный станок, на костерезных предприятиях в конце 40-х годов внедрена бормашина, в вышивке используются швейные машины 1 и 22А классов. Все эти механизмы помогают мастеру в его творчестве.
Народные художественные промыслы - это одна из исторически сложившихся форм народного декоративно - прикладного искусства, представляющая собой товарное производство художественных предметов широкого потребления при обязательном использовании творческого ручного труда. Наследуя лучшие традиции народного искусства, народные промыслы являются наиболее развитыми очагами народной национальной культуры.
промысел творчество ремесло верования
2. Виды ремёсел
2.1 Художественная обработка металла
Выше уже говорилось, что первым видом художественного ремесла, выделившимся в самостоятельное производство, была обработка металла.
Замечательные произведения искусства, оставленные мастерами прошлого, говорят о совершенном владении ими материалом, знании его природных свойств, тонком понимании их возможностей. Твердость, пластичность, структура, цвет металла, его способность принимать определенные формы и СОЧЕТАТЬСЯ с другими материалами были досконально изучены мастерами и подсказывали им художественное решение.
Художественная обработка металла охватывает множество техник и приемов, которые позволяют выполнять необычайно широкий круг предметов: мельчайшие ювелирные украшения из драгоценных металлов и монументальные изделия из железа и чугуна.
Художественное литье .
Художественное литье относится к наиболее древним видам обработки металла. Суть его заключается в том, что изделие изготовляется из расплавленной металлической массы в специальных формах. На территории Руси художественное литье было освоено уже в VI - VIII вв. Первоначально литые изделия изготовлялись из золота, серебра и легкоплавких бронзовых сплавов.
Ремесленники Киева, Новгорода, Владимира, Москвы и других древнерусских городов изготовляли в этой технике поясные накладки, браслеты, пряжки, подвески к ожерельям, застежки к кафтанам. И более крупные предметы: наконечники ножен и рукояти мечей, подсвечники, паникадила, лампады, водолеи, боевые гири, богато украшенные орнаментом.
Часто литейные работы сочетались с другими техниками - зернью, филигранью, чеканкой, чернью, эмалью. Так, широкие литые серебряные браслеты с черневым узором относятся к лучшим произведениям искусства Древней Руси. Поверхность киевских и владимирских браслетов покрывают тончайшие, четко выделяющиеся на черневом фоне рисунки, изображающие птиц, львов, барсоз, кентавров, плясуний, воинов, гусляров.
Прекрасными образцами ювелирного литья являются детали книжных переплетов - накладные серебряные полусферы-»репьи», представляющие собой сложное плетение узорных мотивов, орнаментально трактованные изображения животных.
Крупным центром литья медных сплавов в конце XVII - начале XVIII в. становится г. Павлово-на-0ке.Вы¬соким мастерством исполнения отличались работы павловских «замочников», изготовлявших литые фигурные замки самых замысловатых конструкций. Навесным замкам, очень часто миниаюрным, придавалась форма фигур животных, сказочных существ. Эти изображения трактовались в условных, порой гротескных формах, уходящих своими корнями в литье Древней Руси IX - X вв. Эти традиционные формы иногда используются и теперь в сувенирных изделиях, выпускаемых Павловским заводом сувениров.
В первой половине XV в. начало развиваться искусство литья из чугуна.
Первыми мастерами, освоившими чугунное литье пушек, были колокольные мастера. Пушки искусно украшались орнаментом, надписями, изображениями сказочных зверей.
Ковка. Чеканка.
Техника ручной ковки - пластической обработки раскаленного железа - получила развитие уже в IX - X вв. Кузнечное оборудование: горн, мехи, наковальни различных фасонов, молотки и клещи - почти не изменялось вплоть до конца XIX в. Металл плющился, растягивался, сгибался, рассекался - слесарных приемов в ковке до XVIII в. почти не применяли.
Большое количество кузнечных изделий для нужд архитектуры - решеток, дверей, ворот, перил и кронштейнов для навесов - изготовлялось в Москве, Калуге, Туле, Ярославле, Костроме, Вологде и Великом Устюге.
В городах Русского Севера производился не только архитектурный, но и бытовой кованый металл. В XVII в. изготовлялось большое количество светцов, подсвечников, весов, сечек и других изделий. Большинству этих предметов свойственно ясное композиционное решение, при котором основу изделия составляет один стержень с ответвлениями, игравшими конструктивную и декоративную роль. Опоры, связи и кронштейны трактовались в виде стеблей, листьев, цветов, птиц, голов коней.
Примером мастерства русских кузнецов служат кованые сечки, на которых несколько лепестков закрученных, постепенно уменьшающихся спиралей завершаются полуфигурами, скачущих коней - одним из любимых изобразительных мотивов в крестьянском искусстве. Обилие деталей не мешает цельности восприятия четкого силуэта сечки. Изделие демонстрирует и искусство кузнечной сварки, которая применена в этом сравнительно небольшом предмете более, чем в ста местах.
В ковке дверных петель, замочных накладок применен принцип отщепа, при котором от центральных полос в горячем виде в обе стороны были отделены боковые ветви, в свою очередь расщепленные и образующие новые ответвления. Этот чисто кузнечный принцип нашел применение и в оковке сундуков.
Слово «чеканка» произошло от слова «чокать», чеканить - стучать по металлу. Чеканят с помощью молотка, один конец которого закруглен, а другой имеет плоскую площадку для удара по чекану. Рабочий конец чекана закален и имеет разную форму для придания пластине требуемой фактуры.
Обычно чеканщик имел под рукой не менее 200 чеканов, носивших определенные названия: чекан со слегка затупленным острием - «канфарник», в виде долота - «расходник», с прямоугольной площадкой - «лощатник», с вогнутой сферой - «трубочка» и т. п.
Чтобы не порвать тонкий металл, чеканку производили на пластичных материалах: торце дерева, специально приготовленной смоле, воске, квасцах, свинце.
Чеканку можно подразделить на плоскую и рельефную, хотя для некоторых работ применялись оба вида. Наиболее простая чеканка, применявшаяся в IX - X вв. смоленскими и черниговскими мастерами, состояла в том, что различными чеканами рисунок наносили прямо на лицевую поверхность вещи. Очень часто применялись чеканы-трубочки, дающие ложнозерненый чеканный узор, или чеканы-канфарники, с помощью которых фон покрывали мельчайшими ямками. В этих техниках выполнялись гривны, широкие браслеты, накладные бляшки в Пскове, Новгороде, Суздале.
Распространенный вид чеканки - фактурная расчеканка фона, утопление его вокруг изображений. Контур рисунка предварительно наносили чеканом-расходником.
Прекрасным образцом чеканки X в. (частично покрытой чернью) служит серебряная оправа турьего рога из-под Чернигова. При разделке фона мастер нанес чеканом-канфарником несколько тысяч ударов. Развернутый сюжет изображает охотников с луками, крылатых зверей, напоминающих драконов, орлов, собак. Композиция поражает бурным движением фигур, мастерством их рисунка.
В XV - XVII вв. особенно часто украшали чеканкой братины. Названия братин: грановитые, ложчатые, чешуйчатые - связаны с разновидностями чеканного орнамента, состоящего из «чешуек», «ложек», «яблок» и т. д.
В XVIII в. центром художественной обработки металла становится Петербург, куда в 1711 г. были переведены и мастера Оружейной палаты. Изделия второй половины XVIII веке в Петербурге вырабатываются в основном в технике чеканки и литья в стиле рококо. Нарядный и пышный чеканный узор отличался асимметричным решением, обилием завитков, сложно изогнутыми линиями в условных изображениях раковин.
Появляются новые виды посуды: самовары, чайники, кофейники, сахарницы и целые сервизы с крупным чеканным орнаментом. В насыщенный узор чеканки вкрапливаются гирлянды цветов и плодов, изображения фантастических морских животных.
Гравировка и чернение .
Чернение выполняется путем наплавления специальной смеси, состоящей из серебра, меди, свинца и серы, на поверхность серебряных изделий. Бархатно-черный тон черневого узора красиво выделяется на серо-голубой поверхности серебра. Чернь наносилась и на золото. Эта техника относится к древнейшим видам декоративной отделки художественных изделий на Руси. Близ Смоленска и Чернигова были найдены украшения из серебра с чернью и гравировкой, относящиеся к X веку.
Приемы выявления узора в изделиях с чернью различны. Нередко чернь является фоном, контрастно выделяющим узор, как, например, на изделиях Киевской Руси X - XII вв.: широких браслетах, поясных бляхах и др. При этом повторно после чернения гравировались контур и внутреннее узорное заполнение изображений.
Иногда внутренний черневой рисунок усложняется и начинает превалировать над чернью фона. Этот новый художественный прием нашел применение в вещах Владимиро-Суздальской Руси XIII века. На некоторых предметах весь фон остается блестящим, а гравированный рисунок заполняется сочной чернью.
Московские мастера-ювелиры достигли к XVI в. большого совершенства в искусстве чернения. Для этого времени характерен бархатно-черный цвет черни, особенно на золотой основе. Чернью украшались предметы светского и церковного обихода.
Прекрасным образцом черневого искусства этого времени является находящееся в Оружейной палате золотое блюдо. По борту блюда идет изящный черновой узор, в который вкомпонованы надписи в виде свитков, говорящие о том, что блюдо изготовлено по повелению царя Ивана Грозного для царицы Марии Темрюковны в 1561 г.
Филигранное (сканое) производство .
Название «филигрань» происходит от двух латинских слов: «филюм» - нить и «гранум» - зерно. Слово «скань» - древнеславянское и означает «свить», «скрутить». И то и другое название указывает на особенность технологии этого вида обработки металла - от скручивания двух проволочек получают «веревочку», которая в дальнейшем используется для изготовления сканых изделий. Туго скрученная проволока смотрится особенно эффектно, напоминая ряд плотно уложенных зернышек. Дополняется скань и «зернью», т. е. маленькими шариками, делающими изделие еще более красивым.
Скань изготовляют из чистых металлов - золота, серебра, меди, обладающих хорошей вязкостью, пластичностью. Эти качества способствуют волочению и вальцеванию проволоки, ее кручению и набору скани.
Вещи, выполненные в технике скани, почти всегда включают зернь - шарики, иногда в 5 - 6 раз меньше булавочной головки. В ранние эпохи зернью особенно богато украшали серебряные лунницы. На иные из них напаяно до 2250 мельчайших серебряных зерен. На киевских серьгах-колтах количество зернинок доходит до 5000. Узор, образуемый зернью, является декоративным акцентом в сканом кружеве.
Издревле практиковали два различных способа набора: напайную филигрань, при которой набор напаивается на основу, и ажурную, когда проволочные элементы спаиваются между собой.
Очень распространенным видом филигранных украшений Древней Руси X - XI вв. были трехбусинные височные кольца. Особенно искусной работой отличались ажурные бусины из тончайшей золотой филиграни.
В Московской Руси техника скани значительно усложняется, появляется множество новых приемов, вносящих бесконечное разнообразие в кружево серебряного узора.
Часто применяющийся мотив скани - непрерывно вьющийся стебель с ответвлениями в виде спиралей, покрытых мелкими побегами. Стебель выкладывается гладкой плющеной проволокой, а завитки - тончайшей сканью. Нередко скань красиво оттеняется прозрачной эмалью изумрудного оттенка, черневой вязью.
Прекрасным образцом филигранного мастерства можно назвать потир 1449 г. работы Ивана Фомина. Круто завитой рисунок тончайшей скани, включающий витой и гладкий элементы, становится здесь превалирующим мотивом; плотный узор с однотипными элементами свободно, почти произвольно располагается по поверхности предмета.
Сканое производство возрождается уже в годы Советской власти. В работах 20-х годов еще заметно влияние тенденций модерна, однако большая заслуга мастеров старшего поколения состоит в том, что они восприняли лучшие традиции русского сканного искусства: высокое качество и чистоту работы, умение использовать разнообразные приемы этой тонкой техники. Московские ювелиры И. К. Ефимов, М. Н. Фирсов, А. В. Воронин передали молодому поколению замечательное мастерство.
Мастера 50-х годов А. И. Ефимов, Б. М. Сергеев и другие создали для артели «Московский ювелир» новый ассортимент изделий из филиграни - перстни, кулоны, броши, туалетные коробочки, которые привлекают декоративностью и высоким уровнем технического исполнения.
Красносельский ювелирный промысел - старинный центр производства художественных изделий из металла, возникновение которого относится к XVI - XVII вв. Мастера по серебру работали в Костроме, селах Красном-на-Волге, Сидоровском, Подольском, Здемирове. Там изготовляли серебряные братины, чарки, солонки, чаши, стопы, оклады икон, обложки церковных книг, кресты и другую церковную утварь.
Эмальерное дело .
К наиболее ранним изделиям с эмалью на территории Древней Руси относятся украшения с выемчатой эмалью, изготовлявшиеся мастерами Приднепровья в IV - V вв. Все днепровские украшения отливались из золотистой бронзы по восковой модели, на которой оттискивался несложный узор.
Эмаль - стекловидная масса - дробилась в порошок, смешивалась с водой и в виде густого теста раскладывалась по углублениям. Затем изделие обжигалось на жаровне, и эмаль, расплавляясь, заполняла ячейки.
Большую известность русскому ювелирному искусству принесли перегородчатые эмали: после припаивания перегородок в ячейки раскладывалась эмаль, производился обжиг, а затем выступающие перегородки шлифовались заподлицо. Ячейки иногда составляли доли миллиметра.
В XI - XIII вв. на Руси использовались глухие и прозрачные эмали, имевшие богатую цветовую гамму. В изображениях людей, например, для одежд применялись непрозрачные эмали, для лиц и рук - сквозные. Серьги-колты, диадемы, выполненные с использованием перегородчатых эмалей, часто украшали изображениями птиц по сторонам «древа».
Произведения эмальеров Киевской Руси можно считать непревзойденными и в настоящее время.
Эмаль применяли не только в украшениях, но и в книжных переплетах. В изделиях удачно использовались свойства прозрачных эмалей и просвечивающего фактурного фона, контрасты цветовых сочетаний.
Высокого искусства эмали по скани достигли московские мастера в окладе иконы «Одигитрия» (1560 г. из собрания Оружейной палаты Московского Кремля). Изящный сканый цветочный узор оклада залит эмалями красных и зеленых оттенков, перекликающихся с сочными пятнами драгоценных неграненных камней - изумрудов, сапфиров, альмандинов. В столь же органичном цветовом соотношении находятся белые эмали и крупные жемчужины, обрамляющие поля оклада. Нежная красочная гамма свойственна большей части эмалей по скани эпохи Ивана Грозного.
Во второй половине XVII в. искусство эмали по скани переживает свой наивысший расцвет.
Прозрачная зеленая эмаль с включением изумруда - излюбленное сочетание в украшении изделий. В этой гамме отделана золотая ложчатая чаша, хранящаяся в Московской Оружейной палате. Прозрачная зеленая эмаль с золотым просветом достигает здесь такой звучности, навесу лестницы, и в контрасте с ними массивный скульптурный столб, поддерживающий крыльцо, придают постройке сказочный вид. Венчал северую избу охлупень - бревно лиственницы, на одном конце которого, расположенном ближе к корню, вырубалась топором голова коня, оленя, птицы.
2.2 Изделия из дерева
На просторах русской земли много богатств. Одним из доступных несомненно является дресевина. Доступна она и не только потому, что покрывает большую часть территории, но и по способам обработки. Согласитесь, для некоторых видов обработки не нужно сложных устройств и приспособлений. Отсюда и многообразие видов и подвидов ремесел, связанных с использованием древесины. Русским мастерам-резчикам по дереву, плотникам, столярам приходилось в прошлом много занимать я внутренней отделкой богатых усадеб, церквей и даже дворцовых зданий. Сохранились резные иконостасы, которые производят впечатление золотых. На самом деле выполнены они из дерева и богато украшены сплошной рельефной резьбой по типу резьбы корабельной и домовой, покрыты левкасом и позолочены. Русским мастерам были хорошо знакомы также модные в XVII и XVIII вв. техники инкрустации и мозаики, которые они освоили, выполняя мебель для дворцовых построек.
Резьба по дереву.
Существует несколько видов резьбы по дереву:
Плосковыемчатая резьба (контурная, скобчатая, геометрическая и др.);
Рельефная резьба (плоскорельефная резьба, глухая, кудринская и др);
Сквозная резьба (прорезная и пропильная);
Скульптурная резьба (объемная);
Домовая резьба (может сочетать в себе несколько видов);
Фрезерование. Обработка на токарном станке, фрезе;
Берестоплетение;
Резьба по бересте;
Тиснение по бересте;
Изготовление туесов;
Сувенирное производство (обереги, украшения, аксессуары, игрушки и картинки);
Плетение из лозы.
Береста .
Есть такая поговорка: «Кабы не лыко да береста, и мужик бы развалился». Эластичность, водонепроницаемость, устойчивость к гниению, и красота позволяли использовать бересту от строительства домов до посуды, обуви.
Берестяные изделия, посуда, обувь, хороши тем, что работают как термосы. В берестяные короба закладывали ягоды, сметану, творог - сок не уходит, как в деревянных, продукты не гниют, не портятся.
Инкрустация - техника отделки и украшения изделий из дерева, преимущественно мебели, при которой в поверхность дерева, например в верхнюю рабочую доску стола, или в прямую спинку стула, врезаются (обычно на одном уровне с поверхностью данного изделия) декоративные элементы, выполненные из ценных пород дерева другого цвета, а также из перламутра или металла.
Мозаика в художественной обработке дерева - техника набора Рисунка или узора из разноцветных кусков дерева, точнее, из кусков разноцветной фанеры. Примером замечатьльных мозаичных работ могут служить полы в Зимнем дворце, Павловском дворце-музее под Ленинградом, музеях Останкино, Архангельское и Кусково под Москвой.
Таким же выдающимся явлением в русском народном декоративном искусстве, как и резьба, является роспись по дереву. Истоки многих ее видов следует искать в древнерусском искусстве. Так, сравнение миниатюрных рукописей XVII века, где изображены сцены сева, пахоты, сенокоса и пастьбы скота, с жанровыми росписями пермогорских прялок позволяет говорить не только о близости сюжетов, но и об общих принципах построения композиции (повествовательность и наличие разновременных сюжетов на листе миниатюры и на прялке), о колористической общности, о близости самой техники исполнения. В основе росписей прялок Пермогорья лежит четкий, нанесенный на белый фон черный контур изображения. Рисунок закрашивался потом внутри цветом. Такой прием росписи принято называть графическим. Сценки народного быта: деревенские посиделки, катанье на лошадях, застолья, - которые любили изображать мастера из Пермогорья, органично сочетаются с орнаментальными мотивами. Растительные узоры густым ковровым рисунком покрывают не только прялки, но и бытовые вещи - ковши, чаши, блюда, хлебницы, бураки, жбаны, детские люльки.
Абр амцевско-кудринская резьба .
В конце XIX века в Подмосковье, вблизи богородского промысла, возникает другой художественный промысел - абрамцевско-кудринская резьба по дереву.
Возникновение промысла связано с организацией в 1884 г. столярной мастерской в Абрамцеве - одном из живописных, мест Подмосковья. До этого здесь был создан знаменитый «абрамцевский кружок», в котором объединились и плодотворно работали на протяжении ряда лет И. Е. Репин, В. А. Серов, И. И. Левитан и многие другие выдающиеся художники прошлого века.
Возглавила мастерскую художница Е. Д. Поленова. Художники, занятые в мастерской, проявляли большой интерес к русскому народному декоративному искусству, к древнерусской архитектуре. Из поездок по Русскому Северу они привозили образцы народной вышивки, деревянные изделия, украшенные резьбой и росписью, глиняные игрушки. Ими собирались также образцы народного творчества в окрестных подмосковных деревнях. Они и сами пробовали создавать образцы мебели, посуды и утвари в характере крестьянского народного искусства. По рисункам Е. Д. Поленовой резчики - жители окрестных деревень, которые работали в мастерской, стали изготовлять мебель, шкатулки, полки, декоративные ларцы и т. д. В украшении изделий использовалась в основном техника северной трехгранно-выемчатой и плоскорельефной резьбы.. Изделия, выполненные в мастерской, пользовались широкой популярностью из-за модного в конце XIX - начале XX в. стиля «под русскую старину». Изучение народного декоративного искусства в те годы лишь начиналось. Количество памятников в музейных коллекциях было весьма ограниченным и не позволяло почувствовать многогранность народного искусства, понять художественные закономерности его развития. Поэтому при создании собственных образцов художники абрамцевской мастерской допускали неизбежные для своего времени просчеты.
Силуэтные изображения коней, всадников, птиц, а позднее и жанровых сценок оживлялись белильными мазками- «оживками», прорисовывающими детали, делающими изображения объемными. Живописное начало явно торжествует над графикой оживок, локальные цвета росписи при всей декоративности и яркости, как правило, тонко сгармонированы, хорошо подобраны, что свидетельствует о несомненных колористических способностях мастеров.
2.3 Ткачество
Ткать в старину умели практически все женщины, т. к. без этих умений семье было бы не прожить. Поэтому и не зря в свадебном обряде обязательно присутствовал элемент передачи «даров» родне будущего мужа, и чаще всего это были холсты, изготовленные самой невестой.
Эпоха индустриализации практически положила конец этому ремеслу. В настоящий момент традиции ткачества поддерживаются многочисленными энтузиастами в центрах ремесел. Сейчас возрос интерес к прошлому, и большой спрос наблюдается в рамках обществ военно-исторической реконструкции. Кроме этого, по этим же технологиям современные мастерицы ткут великолепные половики, на которых есть свой спрос.
Ковроткачество.
Ручное ковроткачество - один из самых распространенных и интересных видов декоративно-прикладного искусства. Как в древности, так и в настоящее время ковры находили и находят широкое применение в быту. Ковры используют для украшения интерьера, выявления и организации внутреннего архитектурного пространства. Рядом с ковром по-особому раскрываются эстетические свойства самых разнообразных вещей. Ковер может усилить или приглушить их декоративные достоинства в ансамбле убранства помещения.
Художественное назначение ковра тесно связано с его утилитарной функцией. Его вешают на стену, им отгораживают часть комнаты, застилают пол, покрывают мебель. Мягкая шерстяная ткань ковра помогает сохранить в доме нужную температуру: зимой - тепло, летом - прохладу. Он заглушает посторонние шумы.
В ковре, как во всяком произведении декоративно-прикладного искусства, отражается духовный мир человека, создавшего его. Орнаментальный строй ковра, его цветовая гамма, композиционные схемы заключают в себе многовековую традицию национальной художественной культуры, выражают дух народа и его представления о прекрасном.
Трактовка изобразительных мотивов в русских крестьянских коврах была схематизированной, использовались различные комбинации простейших геометрических фигур. Цветовая гамма этих ковров строилась на сопоставлении ярких тонов. Для окраски пряжи служили растительные красители. Цветов пряжи было немного: красный, синий, зеленый, желтый, черный. Но, используя их сочетания, русские мастерицы добивались большого художественного эффекта - звучности красок, гармонии в рисунках.
Отмена крепостного права в 1861 г. дала России возможность быстро идти по пути капиталистического развития. После реформы помещичьи ковровые заведения лишаются крепостной рабочей силы, и производство ковров в них становится для их владельцев невыгодным. Со второй половины Х1Х в. ковроделие получает особое развитие в домашних условиях, принимая форму кустарного производства ковров на продажу, особенно в южнорусских и западносибирских районах страны. Здесь в селах было достаточно много мастеров-ковроткачей, шерсть была менее дорогой, и ковровая продукция находила сбыт у местного населения. К концу XIX в. изготовлением ковров начинают заниматься не только отдельные семьи, но и целые уезды и села.
К началу XX в. сформировалось два основных района кустарного производства ковров, получившие свое дальнейшее развитие в советское время и являющиеся традиционными центрами русского коврового искусства. Центром безворсового ковроткачества стала Курская губерния и прилегающие к ней местности. Ворсовое ковроделие интенсивно стало развиваться в Западной Сибири и на Урале.
2.4 Вышивка
Вышивка - один из распространенных видов народного творчества. Искусство создания на тканях узоров с помощью иглы и нитей известно с давних времен. Русскую женщину эта сложная, но увлекательная работа сопровождала всю жизнь. Начиная еще девочкой готовить себе приданое, она уже с малых лет постигала секреты мастерства. К свадьбе каждая девушка имела будничную и праздничную одежду, необходимое количество столешников (скатертей), подзоров и полотенец, которые служили в быту или являлись украшением дома в праздничные дни, десятки метров холста. Для изготовления одежды мужу и детям. Все предметы, входившие в приданое, были ярки и декоративны, и основную роль в этом чаще всего играла вышивка. Наибольшей яркостью всегда отличалась женская праздничная одежда, особенно у молодых женщин, недавно вышедших замуж. Их рубахи, передники, сарафаны так и полыхали тканым, вышитым и набивным узором.
Кроме того, каждая девушка готовила специальные красочные полотенца, которыми она одаривала на свадьбе почетных гостей. Таких подарочных полотенец к свадьбе у невесты было до 80 - 100 штук.
К началу XX в. искусством вышивки владело подавляющее большинство крестьянских женщин, да и в городе можно было найти много мастериц, которые шили и вышивали для своей семьи все необходимое. Поэтому этот вид народного творчества, кроме золотого шитья, долго оставался в рамках домашнего ремесла. И только со второй половины XIX в. начинают развиваться вышивальные художественные промыслы: мастерицы стали выполнять вышивку на продажу, чаще всего для городского покупателя.
2.5 Художественная керамика
Слово «керамика» происходит от греческого «керамос» - глина. Керамика находит применение в электротехнической промышленности, строительстве, химии, медицине, архитектуре и производстве посуды; велика роль керамики в изготовлении художественных изделий.
Керамические изделия не боятся сырости и атмосферных влияний, поэтому история сохранила образцы керамического искусства (иногда в обломках и фрагментах) от древнейших магических глиняных фигурок до исключительных по своим художественным достоинствам изделий из тончайшего фарфора.
Самые древние находки керамических сосудов демонстрируют нам и первые попытки их декорирования: примитивные украшения в виде небольших вдавленных отверстий, рельефных волнистых полос и т. п.
Художественная керамика - это художественные изделия из глин и других минеральных масс, одним из компонентов которых является глина, как монументального, так и прикладного характера. К монументальной керамике относятся архитектурные панно, мозаика, скульптура, садово-парковая керамика. Керамическая посуда, вазы, кашпо, мелкая пластика - произведения декоративно-прикладного искусства.
В настоящее время художественные керамические промыслы Российской Федерации представляют собой довольно обширную отрасль местной промышленности со своей спецификой и художественно-стилевой направленностью. В них, как и в других видах промыслов, можно выделить предприятия, сохраняющие и развивающие художественные традиции данного промысла, сложившиеся в далеком прошлом, и новообразованные предприятия, художественно-стилевая направленность, которых формируется в советское время.
2.6 Валяльный промысел
Самые древние предшественники валенок были обнаружены археологами на Алтае в пластах IV века до н.э. Жители азиатских территорий носили валяные коты, чуни, кеньги с суконным голенищем или вообще без голенища. На Руси лишь к XVIII в. ремесленниками Нижегородской и Ярославской губерний были изобретены «пимы», «самовалки», «катанки». В конце XIX - нач. хх века валяная обувь получает все большее распространение и становится основной зимней обувью русских крестьян Европейской России (за исключением Крайнего Севера и юго-востока) и соперничает с меховой обувью русского населения Сибири.
Мастеров по изготовлению валенок (или катанок) называли катали или катальщиками. Первые артели катальщиков - обычно родственников не превышали трех-четырех человек. Обосновавшись в какой-нибудь просторной избе, валяли обувь сначала на хозяйскую семью, затем для других заказчиков. Труд катальщика очень тяжел и вреден, т.к. работать приходилось в парной сырости. Первые валенки изготовляли в два приема: сначала делали низкие валянные коты, а потом к ним пришивали голенища. Вскоре перешли на изготовление валенок целиком, на колодке.
В Елецкий край валяние валенок пришло предположительно около 200 лет назад из Рязанской губернии. Сложность производства (специфика сырья, навыки изготовления, наличие инструментов, помещения и т.п.) ограничивала количество лиц, занимающихся войлочным ремеслом. Будучи кустарным, Елецкий валяльный промысел не имел постоянной производственной базы. В конце XIXB. в г. Ельце было известно около шести относительно крупных шерстоваляльных мастерских. После Октябрьской революции 1917 г. подобные заведения были преобразованы в артели.
В настоящее время в г. Ельце работает ООО «Елецкая сапоговаляльная фабрика», выпускающая от двух до пяти тысяч пар валенок за сезон. Качество Елецких валенок приобретает широкую известность и высоко ценится на рынке. Некоторые экземпляры украшаются вышивкой, тесьмой, бисером. Елецкие мастера изготавливают и миниатюрные сувенирные валенки.
2.7 Художественная роспись
Издавна Русь славилась своим фарфором и искусством художественной росписи. Сложились даже разные школы и направления этого этих народных промыслов:
Гжель - это название фарфора с нарядной синей росписью на белом фоне. Название это произошло от названия местности под Москвой. Гончарное ремесло существует здесь с начала XIV века. Гжельская керамика известна и популярна во всем мире.
Жостовская роспись (по названию деревни под Москвой) - декоративная живопись маслом на металлических подносах, покрываемых затем лаком: цветы и фрукты, исполненные яркими красками на черном фоне.
Палехская миниатюра (по названию райцентра в Ивановской области) - так называется живопись на лаковых изделиях из папье-маше. Шкатулки и ларцы с бытовыми фольклорными, литературными, историческими, религиозными сюжетами, выполненными яркими красками по черному фону. Искусство палехской лаковой миниатюры восходит к XV веку. Первоначально художники писали иконы. Старинная технология росписи передается из поколения в поколение.
Хохлома - это ручная роспись по дереву. Этому промыслу более 300 лет. Чашки, солонки, стулья, полки - расписаны диковинными огненно-алыми цветами. Секрет этих изделий в том, что их два-три раза покрывают лаком, а потом закаляют в печи. От этого лак желтеет, и деревянные расписные чашки становятся похожими на драгоценную позолоченную посуду.
Лубок - русские народные картинки, созданные путем оттиска на бумаге с деревянного клише. Продаваемые на ярмарках еще в XVII веке, вплоть до начала XX-го, считались самым массовым видом изобразительного искусства Руси. Тематика народных картинок очень разнообразна: она охватывает темы религиозные и нравоучительные, народного эпоса и сказок, исторические и медицинские, обязательно сопровождаемые назидательным или шутливым текстом, повествующие о нраве и быте того времени, содержащие народную мудрость и юмор.
2.8 Промыслы по изготовлению игрушек
Наряду с гончарными промыслами, где мастера донимались изготовлением посуды, во многих уголках России сложились центры, специализировавшиеся на глиняной игрушке. К таким промыслам относится дымковский. Название промысла происходит от слободы Дымково, расположенной в пригороде г. Вятки (теперь г. Киров), где местное население издавна лепило игрушки из глины.
Игрушки лепились дымковскими" слободчанами из местной красной глины, сушились, обжигались в русских печах, затем расписывались красками, разведенными на яйце по мелованному фону, иногда с применением сусального золота для отделки деталей.
Наиболее ранними по своему происхождению являются анималистические игрушки и свистульки. Одноглавые и двуглавые кони, петушки и утицы - таков поначалу небогатый ассортимент дымковских игрушек. Появляются фигурки оленей, медведей, баранчиков, коров, козлов и т. д. Ранним игрушкам свойственны обобщенные, даже несколько архаичные формы. Тяга к бытовой повествовательности, к которой все больше стремились мастерицы, рождала сказочные сюжеты: медведь - нянька, укачивающий ребенка; медведь - музыкант, играющий на балалайке.
Значительное место в дымковской игрушке занимает группа кукол, так называемых барынь и кормилиц. Основной объем таких фигурок лепился нерасчлененным - юбка-колокол, неподвижные фронтальные позы. Несколько подробнее передается прическа, головной убор, детали туалета (тщательно вылепленные бусы, ленты).
Дальнейшее развитие дымковской игрушки шло в сторону усиления изобразительного начала. Из фигурок составлялись жанровые сценки. Дамы и кавалеры прогуливаются парами, няньки гуляют с детьми, охотник с собакой возвращается с добычей и т. д. В отдельных групповых сценах фигурки людей и животных наделяются более конкретными чертами. Однако по-прежнему во многих скульптурах соблюдается фронтальность поз, и персонажи не связаны между собой композиционно. Среди жанровых игрушек есть сложные многофигурные сцены. В них чувствуется движение, окружающий пейзаж, правда, переданные очень условно и наивно. Это сценки, изображающие свидание дамы с кавалером, танцы, чаепитие, прогулку, катание с гор, компанию отдыхающих и музыкантов в лодке. Помимо городских появляются и эпизоды из крестьянской жизни: доение коровы; свинарка, кормящая поросят; девушка пасущая гусей. Здесь заметно стремление мастериц объединись фигурки общим действием, дать их в ракурсе, в движении, у фигурок появляются ножки-столбики, для устойчивости их ставят на круглые подставки, этот прием явно заимствован у фарфоровой пластики.
Характерная в дымковской игрушке праздничность и нарядность достигается в основном за счет росписи. Именно роспись в большой степени определяет самобытность, индивидуальность дымковской игрушки. Можно сказать, что цвет моделирует форму, обогащает ее.
Декоративность игрушки подчеркивается белым фоном, который получался в результате побелки игрушек мелом, разведенным на молоке.
Основу дымковской росписи составляет простейший геометрический орнамент, состоящий из кругов, овалов, прямых, волнистых, и зигзагообразных линий. Эти геометрические элементы, то соприкасаясь, то надвигаясь друг на друга создают многоцветный орнаментальный узор. Гамма росписи - яркая, открытая. Она построена на контрасте цветов: синего и желтого, малинового и зеленого, черного и белого, используются также голубой, розовый, коричневый и другие цвета.
К концу XIX в. дымковская была постепенно вытеснена дешевой гипсовой скульптурой.
Настоящее признание и мировая известность пришли к дымковскому промыслу уже в советское время.
Огромная заслуга в возрождении промысла принадлежит художнику А. И. Деньшину. Он провел в 20 - 30-х годах серьезную исследовательскую работу по изучению искусства дымковских игрушечников, им написан ряд работ, посвященных истории и художественным особенностям традиционного промысла. А. И. Деньшин был в течение многих лет художественным руководителем дымковской мастерской. Много сил и труда он отдал популяризации искусства дымковских мастериц путем организации выставок, выступлений в печати, собиранию музейных коллекций игрушек лучших мастериц промысла - А. А. Мезриной, Е. А. Кошкиной, Е. И. Пенкиной, О. И. Коноваловой, Е. И. Косс- Деньшиной и др.
Она всегда очень бережно относилась к традиционной игрушке, хорошо ее знала и трудилась над ее совершенствованием. Художница больше тяготела к тонкой гармоничной росписи.
Сегодня дымковская игрушка перестала быть только детской забавой. Она является прекрасной декоративной скульптурой, которая легко вписывается винтерьер современного жилища. Она радует нас нарядностью и ДЕКОРАТИВНОСТЬЮ, выразительностью и самобытностью, являясь частицей живого народного искусства.
Другой традиционный центр производства глиняной игрушки сложился в дер. Филимоново Одоевского р-на Тульской обл.
Изготовлением глиняных игрушек в этом старом гончарном районе занимались с середины XIX в. Лепили игрушки из целого куска глины, в отличие от дымковских, которые выполнялись по частям. Вначале мастерица делала из куска глины жгут, из него «вытягивала» задуманную форму. Если предполагалось слепить барыню или няньку, жгут превращался в конус-юбку, затем он переходил в туловище, руки, лицо и заканчивался головным убором, обычно в виде небольшой плоской шляпки. Если же задумывалась фигурка солдата, то брали два жгута; из них лепили ноги, затем всю фигуру и, наконец, высокий головной убор, также слегка уплощенный. Такие примятые головные уборы - одна из особенностей филимоновских игрушек.
Готовые игрушки сушили у натопленной печи. Расписывали дешевыми анилиновыми красками, разведенными на яйце.
Для филимоновских игрушек характерна вытянутость пропорций, что можно объяснить свойством местной глины давать быструю усадку при сушке и образовывать трещины. В результате дополнительного заглаживания игрушки и приобретали удлиненные формы.
Тематика филимоновских игрушек не выходит за рамки сюжетов обычных глиняных фигурок и свистулек, которые делались в разных местах России. Это барыни-няньки, солдаты, всадники, разнообразные животные и птицы: кони, олени, бараны, медведи, петухи и др.
Почти все игрушки были одновременно и свистульками. Приспособления для издания свиста устраивались в туловище животных и птиц или вставлялись под мышками фигурок людей в виде маленьких птичек - курочек, уточек.
По формам игрушки Филимонова сильно обобщены, мастерицы никогда не моделировали лица, руки людей, так же обобщенно лепили и фигурки животных.
Наиболее замечательной у филимоновских игрушек является роспись - яркая, нарядная, преимущественно в два цвета; она вьполнялась кистью поперечными узкими полосками по всему тулову фигурок.
Старейшим русским народным художественным промыслом является Богородская резьба по дереву.
Возникновение искусства Богородских резчиков относится к XVI- XVII вв., когда под влиянием умельцев из Троице-Сергиевой лавры стали развиваться различные ремесла, в том числе и производство игрушек. Для забав царевича Алексея, сына Петра I, здесь были куплены игрушки «Кузнецы», «Сшибающиеся козлики», «Секачи на колесе» и др.
Расцвет игрушечного промысла в деревнях и селах, расположенных в окрестностях Сергиева Посада (ныне г. Загорск), относится к концу XVIII - началу XIX в. Однако в виду того, что деревянные игрушки не берегли, а коллекционирование их началось сравнительно поздно, до нас дошли лишь отдельные экземпляры конца XVIII - начала XIX века. В музейных коллекциях хранятся щеголеватые куклы-гусары с наброшенной на плечо шинельку, в киверах и мундирах, куклы-барыни с лептами на шляпах и зонтиками в руках. Выразительны изображения крестьян выполняющих различные виды работ, сельских музыкантов, анималистические скульптуры. Все они выразительны по пластике, проникнуты юмором.
Острой наблюдательностью отмечены и ярко раскрашенные фигуры так называемой «китайской мелочи», изображающие монахов, барынь, франтов, солдат, продавцов пирогов, служанок.
Изделия Богородских резчиков всегда отличались меткостью образных характеристик, совершенством исполнительского мастерства.
Изготовление Богородской игрушки-скульптуры начинается с раскалывания топором части ствола липы или осины на трехгранные чурки. Форма и размер чурки определяются композицией скульптуры, которую задумал вырезать мастер. Топором «зарубаются» основные контуры будущей скульптуры, игрушки, намечается ее движение. Затем набором стамесок удаляется лишнее и прорабатывается форма. Пластический образ изделия завершает острый и прямой «Богородский» нож, которым виртуозно владеют резчики. Движения мастеров, создающих игрушки и скульптуры из дерева выверены, в них нет ничего лишнего, случайного. Стремительно и ритмично касается нож мягкой древесины, завершая скульптурную моделировку формы. Выразительность Богородской скульптуры тесно связана с этими отточенными, ритмичными движениями руки мастера.
Техника быстрой, маховой резьбы требует особого подхода к трактовке образа, выразительность которого во многом зависит от отбора мастером наиболее важных, характерных деталей. В композициях лучших Богородских скульптур сохраняется ощущение массы куска дерева.
Свою любовь к дереву как к материалу, обладающему высокими художественными достоинствами, мастера проявляют в том, что большую часть изделий они не раскрашивают и не тонируют морилкой, сохраняя светлый тон древесины.
Классическим примером традиционной Богородской резьбы являются знаменитые «Кузнецы», ставшие своеобразным символом Богородского промысла, ярко раскрывающие пластические возможности Богородской резьбы по дереву Игрушка эта привлекает к себе внимание не только занимательным сюжетом и движением фигурок, теплым юмором, типичностью персонажей, лаконизмом выразительной пластики, за которым стоит традиционное мастерство не одного поколения Богородских резчиков. Издавна главной темой в творчестве Богородских резчиков был крестьянский быт. «Тройка», «Пильщики», «Крестьянин, играющий на свирели», «Крестьянин на охоте» и т.д. - наиболее часто встречающиеся сюжеты.
2.9 Художественная обработка кости
Художественная обработка кости имеет древние традиции. Проводимые советскими учеными археологические исследования позволили открыть ряд интересных памятников художественной обработки кости, выполненных много веков назад.
Твердость кости давала возможность мастерам применять прорезную ажурную резьбу; ее пластичность позволяла достигать мягкой моделировки рельефных и скульптурных форм. Блеск полированной поверхности материала, его тонкие цветовые оттенки придавали особую красоту создаваемым вещам.
Для выполнения художественных изделий применялись различные виды кости: бивни слона, мамонта, клыки моржа. Бивни слона, особенно ценные, ввозились с Востока; мамонтовые бивни находили в вечной мерзлоте Сибири, Якутии, на Чукотке; моржа били в северных морях. Эти ценные виды кости, близкие по своему строению, различались цветовыми оттенками, блеском, текстурой. Мамонтовая кость имеет теплый желтоватый тон и текстуру в виде миниатюрной сеточки. Моржовая кость светлее и холоднее по цвету, в отличие от бивня мамонта имеет ячеистую внутреннюю часть, что несколько сужает возможность создания художественных изделий.
Кроме этих ценных пород кости издавна использовалась и простая животная кость (цевка). Она не обладает такими прекрасными свойствами, как бивни мамонта и клыки моржа. Трубчатая форма, белый неровный цвет, матовая поверхность - все это ограничивало возможности создания художественных изделий. Однако народные мастера находили разнообразные интересные художественные приемы ее декорирования.
Употреблялся также рог животных имеющий такие качества, как разнообразные оттенки цвета, просвечиваемость, мягкость и пластичность. Из рога делались табакерки, гребни, заколки. Народы Севера использовали рог оленя для изготовления рукояток ножей, пороховниц, деталей оленьей и собачьей упряжи.
Техника обработки кости разнообразна, включает токарную и наборную работу, объемную, ажурную, рельефную резьбу, гравировку (как цветную, так и бесцветную), инкрустацию цветными кусочками кости, деревом, а также окрашивание простой животной кости в разные тона (преимущественно в зеленые, коричневые). Кость хорошо сочетается с другими материалами - деревом, металлом.
Современная обработка кости предусматривает применение бормашины, преимущественно на вспомогательных операциях. Остальную часть работы мастера выполняют вручную специальными металлическими инструментами, что требует определенных навыков, приобретенных в специальных художественных заведениях.
...Подобные документы
Виды народных промыслов России и их характеристика. Художественные образы и орнамент. Размещение народных промыслов на территории России. Формирование интереса у подрастающего поколения к декоративно-прикладному творчеству. Народные промыслы Дона.
курсовая работа , добавлен 09.02.2010
Народные художественные промыслы – одна из форм народного творчества. Хохломская роспись. Гжельская керамика. Дымковская игрушка. Русская матрешка. Городецкая роспись. Вятское кружево. Павлово-Посадские платки. Жостовская роспись. Филимоновская игрушка.
презентация , добавлен 21.03.2013
Особенности художественной деятельности, творческих возможностей детей школьного возраста. Художественная обработки бересты, как вид декоративно-прикладного искусства. Центры берестяных ремесел. Программа уроков по художественной обработке бересты.
курсовая работа , добавлен 08.12.2010
Характеристику феномена народных художественных промыслов, их место в этнокультурных практиках Тывы. Анализ специфики их возникновения, существования и условий развития. Самобытные черты традиционных ремесленных промыслов. Творчество тувинских мастеров.
дипломная работа , добавлен 24.06.2015
Искусство народных художественных промыслов Дагестана прошлого и современности. История кубачинского златокузнечного и оружейного дела. Техники обработки металла кубачинского промысла. Художественные особенности и стилистика кубачинских ювелирных изделий.
реферат , добавлен 11.03.2013
Народные художественные промыслы. Народное декоративно-прикладное искусство. Изготовление глиняной посуды. Чернышинская игрушка. Как оживала древняя игрушка. Выставка народной игрушки. Как рождается красота. Творчество Евдокии Ильиничны Лукьяновой.
контрольная работа , добавлен 21.08.2008
Понятие кустарного производства, история кустарно-ремесленного производства. Характеристика основных видов народных промыслов: керамика, гжель, скопин. Анализ хохломской росписи: техника, разнообразие. Характерные черты изделий казаковской филиграни.
курсовая работа , добавлен 04.05.2012
Декоративно-прикладное искусство - основа любой национальной культуры. Роль предметов бытового назначения в народных традициях празднования значительных событий в жизни. Полотенца с длинными вышитыми или ткаными концами. Расписные ковши в виде ладьи.
презентация , добавлен 04.03.2013
История русского ковроделия. Техника изготовления ковров. История вышивки, орнаменты и символы в вышивке, виды строчек. История и традиции русского кружевоплетения. Виды и способы плетения. Способы изготовления шали, особенности Павловского стиля.
курсовая работа , добавлен 13.05.2009
Предметы традиционной одежды и народные промыслы народов, проживающих на Британских островах. Шотландская клетчатая ткань. История, регистрация и дизайн новых тартанов. Килт - предмет мужской одежды, традиционная одежда горцев, история аранского вязания.
Публикации раздела Традиции
Загадки узоров русских росписей
В сегда ли гжельская посуда была сине-белой, какая традиционная роспись родилась после Октябрьской революции и почему расписные шкатулки светятся? Разбираемся в секретах народных художественных промыслов.
Золотые чаши. Хохломская роспись
Золотые чаши. Хохломская роспись
Золотые чаши. Хохломская роспись
Мастер начинал работу с битья баклуш - готовил деревянные бруски (баклуши) из липы, осины или березы. Из них вытачивали деревянные ложки и ковши, чашки и солонки. Еще не украшенную росписью посуду называли бельем. Белье несколько раз грунтовали и просушивали, а потом расписывали в желтых, красных и черных тонах. Популярными мотивами были растительные орнаменты, цветы, ягоды, кружевные веточки. Лесные птицы на хохломской посуде напоминали крестьянам Жар-птицу из русских сказок , они говорили: «Пролетала Жар-птица мимо дома и задела крылом чашу, и стала чаша золотой» .
После нанесения рисунка изделия два-три раза покрывали олифой, втирали в поверхность оловянный или алюминиевый порошок и сушили в печи. После закалки жаром они приобретали медовый оттенок и действительно сияли, словно золотые.
В начале XVIII века посуду стали привозить на Макарьевскую ярмарку , куда съезжались продавцы и покупатели со всей России. Хохломские изделия оказались известны всей стране. С XIX века, когда на нижегородскую ярмарку начали съезжаться гости со всей Европы и Азии, расписная посуда появилась во многих уголках мира. Русские купцы продавали изделия в Индии и Турции.
Снежный фон и синие узоры. Гжель
Снежный фон и синие узоры. Гжель. Фотография: rusnardom.ru
Снежный фон и синие узоры. Гжель. Фотография: gzhel-spb.ru
Снежный фон и синие узоры. Гжель. Фотография: Сергей Лаврентьев / Фотобанк Лори
Гжельская глина известна со времен Ивана Калиты - с XIV века. Местные мастера создавали из нее «сосуды для аптекарских нужд», посуду и детские игрушки. В начале XIX века в Гжельской волости появились заводы, на которых изготавливали фарфор . Первое предприятие здесь основал в 1810 году купец Павел Куличков. Сначала роспись по фарфоровой посуде была цветной, но в середине XIX века в Россию пришла мода на бело-голубые голландские изразцы и китайский фарфор тех же оттенков. Вскоре синие узоры на снежном фоне стали отличительной чертой гжельской росписи .
Чтобы проверить качество фарфора, перед росписью изделие окунали в фуксин - красную анилиновую краску. Фарфор окрашивался в ровный розовый цвет, и на нем была заметна любая трещинка. Мастера рисовали кобальтовой краской - до обжига она выглядит черной. С помощью особых техник, работая только кистью и краской, художники создавали более 20 оттенков синего цвета.
Гжельские сюжеты - это пышные розы (их здесь называли «агашками»), зимние пейзажи, сцены из народных сказок . Дети катаются на санках, Емеля ловит щуку в пруду, деревенские жители празднуют Масленицу ... После нанесения рисунка посуду покрывали глазурью и обжигали. Розовые изделия с черными узорами приобретали свой традиционный вид.
Светящиеся броши и шкатулки. Федоскинская лаковая миниатюра
Светящиеся броши и шкатулки. Федоскинская лаковая миниатюра
Светящиеся броши и шкатулки. Федоскинская лаковая миниатюра
«Когда мы организовывали артель, у нас на семь человек было только одно собрание сочинений Пушкина … Этим в значительной степени объясняется тот факт, что большинство своих миниатюр мы писали на пушкинские сюжеты».
Александр Котухин, миниатюрист
В 1932 году палехские художники встретились с Максимом Горьким , который назвал палехскую лаковую миниатюру «одним из чудес, созданных Октябрьской революцией»
. По его просьбе Иван Голиков нарисовал миниатюры для подарочного издания «Слова о полку Игореве» .
Какие свежие, яркие и прекрасные букеты цветов. Розы - белые, чайные, Алые - раскрыли свои нежные лепестки, пионы красуются пышными шапками, огненные маки и астры, словно большие лучистые звёзды, красочные георгины и ещё какие-то незнакомые, необычные, но не менее прекрасные цветы.
Все эти чудесные букеты… нарисованы на знаменитых подносах из Жостова.
Жостовский художественный промысел - это декоративная живопись на металлических подносах. Возникновение промысла относят к началу девятнадцатого века, когда в деревне Жостово, Троицкой волости (ныне Мытищинский район, Московской области), была открыта мастерская по выпуску лакированных изделий из папье-маше с живописными миниатюрами. Но вскоре жостовские мастера стали делать металлические подносы с росписью масляными красками и лаковым покрытием. В 1928 году была основана артель, ныне Жостовская фабрика декоративной росписи.
Жостовский промысел развивался под влиянием уральской декоративной росписи, федоскинской лаковой миниатюры, росписи по фарфору подмосковных фабрик. Но уже к середине девятнадцатого века сложился самобытный художественный стиль жостовских мастеров. Сюжеты росписи - цветочные, растительные орнаменты, бытовые сценки из народной жизни, пейзажи. Разнообразна форма подносов.
Дымковская игрушка
Название этого народного промысла связано с селением Дымковская слобода, что на окраине старинного русского города Хлынова (позже г. Вятка, ныне г. Киров).
Дымковская игрушка - это декоративная глиняная скульптура высотой до 25 сантиметров. Роспись производится по обожженному в печи изделию темперными красками, применяется позолота. Изображаются всадники, дамы, кавалеры, сказочные персонажи, животные, бытовые сценки. Позы и движения дымковской игрушки несколько условны, упрощенны, согласно древней традиции изготовления народной игрушки, скульптуры.
Яркая, красочная «дымка» популярна не только в России, но и за рубежом.
Городецкая роспись
Этот народный художественный промысел сложился к середине девятнадцатого века в старинном волжском городе Городце, известном по летописям с 1152 года. Городец славился резчиками по дереву, умелыми корабелами. Обычай украшать предметы быта, прялки, ставни домов, ворота резьбой и инкрустацией послужил источником рождения народного промысла.
Особенности городецкой росписи - чистые, яркие краски, чёткий контур, белые штрихи, создающие условный объём и живописность. Городецкие мастера изображают не только растительный орнамент, сказочных персонажей, но и жанровые сценки. В начале двадцатого века промысел возродился. С 1938 года работает артель, с 1960 года работает фабрика «Городецкая роспись».
Русская матрёшка
Матрёшка - настоящая русская красавица. Румяная, в нарядном сарафане, на голове яркий платочек. Но матрёшка не лентяйка, в руках у неё то серп и хлебные колосья, то уточка или петушок, то корзинка с грибами-ягодами.
Но, главное, эта куколка - с секретом! Внутри неё прячутся весёлые сестрички. По сравнению с другими игрушками, деревянная молодая куколка молода, ей чуть более ста лет. Для народной игрушки это не возраст.
Прообразом матрёшки могли послужить «писанки» - деревянные, расписные пасхальные яйца, их уже много веков делают на Руси. Они бывают полыми внутри, и в большее вкладывается меньшее. В конце девятнадцатого века в Абрамцево по эскизу художника Сергея Малютина местный токарь Звёздочкин выточил первую деревянную куколку. А когда Малютин расписал её, получилась девочка в русском сарафане, в платочке, с петушком в руке. По преданию, кто-то, увидев куклу, смеясь воскликнул: «До чего похожа на нашу Матрёну!». С тех пор и зовут эту игрушку матрёшкой.
Матрёшка - один из самых популярных русских сувениров. В Московской области массовое производство матрёшек началось в Сергиевом Посаде с 1890 года, и уже в 1900 году игрушка из России на международной выставке в Париже была отмечена золотой медалью.
Вскоре матрёшек стали изготовлять и в других районах страны, например в городе Семенове, в селе Полхов - Майдан, на Вятской земле, в Башкирии и Воронеже.
В наши дни традиционное искусство матрёшки переживает своё второе рождение. Вот только изменилась её внешность.
Хохломская роспись
Уже в 17 веке в селе Хохлома проходили ярмарки, где торговали деревянной расписной посудой, изготовленной в сёлах и деревнях Нижегородского края.
Хохломская роспись отличается характерным сочетанием золотого цвета с чёрным, красным, зелёным, иногда коричневым и оранжевым. Изображение растений, ягод, плодов, птиц и рыб образуют прихотливый узорный орнамент. Секрет «золота» Хохломы - применение алюминиевого (ранее серебряного или оловянного) покрытия, сверху наносится рисунок и лак. Изделие высушивается при температуре 100-120 градусов. Под действием температуры лак приобретает желтоватый оттенок, и сквозь него «золотом» сверкает алюминиевый слой.
Современные хохломские изделия - посуду, мебель, сувениры - создают мастера фабрики «Хохломской художник» и объединения «Хохломская роспись», что в Нижегородской области.
Гжельская керамика
Гжель - это один из самых известных народных художественных промыслов России. Гжельский промысел объединяет два десятка подмосковных сёл и деревень. Уже с 14 века в этой местности процветал гончарный промысел. С середины 18 века гжельские мастера освоили производство майолики с многоцветной росписью по белому фону. Роспись часто дополнялась скульптурными изображениями людей, жывотных, птиц.
В девятнадцатом веке Гжель прославилась своим фаянсом и фарфором. С этого времени преобладает роспись синим кобальтом по белому. Разнообразные изделия с «фирменным» цветочным узором, скульптуры поражают фантазией и мастерством художников, сохранивших народные традиции. Сегодня гжельская керамика известна во всём мире и по-прежнему украшает нашу жизнь.
Скопинская керамика
Скопинская керамика как народный художественный промысел получила известность со второй половины девятнадцатого века. Археологические исследования подтверждают, что в 12 веке в районе города Скопина, Рязанской области, уже существовал гончарный промысел.
Особенность скопинской керамики в том, что изделия, как правило, ручной работы, дополнены лепными изображениями птиц, рыб, фантастических животных. Великолепный растительный орнамент делает скопинскую керамику настоящим произведением искусства. Она покрыта цветной глазурью коричневого, зелёного или желтого тона.
В 1934 году основана артель, с 1976 года - Скопинская фабрика керамических изделий.
Филимоновская игрушка
Этот народный промысел связан с деревней Филимоново, Тульской области. Издавна в этих краях делали посуду из местной светлой гончарной глины. Облик филимоновской игрушки поражает своей оригинальностью, необычностью форм. По мнению специалистов, в филимоновской игрушке сохраняются изначальные, древние традиции народной культуры.
Фигурки несколько вытянуты, в росписи преобладают три-четыре цвета. Сама роспись - это чередование горизонтальных полос по белому, жёлтому фону. В орнаменте преобладают круги, «розетки», треугольники, зигзаги, точки. Лица на игрушках, мелкие детали едва обозначены, как у древних, языческих идолов. Размеры игрушек от 3-5 до 25-30 сантиметров. В большинстве своём это свистульки.
Незатейливы филимоновские игрушки. Но игрушка радует - значит, делали её добрые руки.